Kleine Festivals sind für mich die Orte, an denen Entdeckungen möglich werden: junge Bands, ungewöhnliche Filmprogramme, performative Formate, die man sonst selten zu sehen bekommt. Doch hinter der Magie steckt oft ein harter Alltag: knappe Budgets, ehrenamtliche Teams, logistische Hürden. Wie können solche Festivals nachhaltig wirtschaften, ohne ihr Programm zu verwässern? In diesem Text möchte ich aus meiner Perspektive konkrete Strategien vorstellen, die künstlerische Integrität und betriebliche Stabilität verbinden.
Das Problem klar benennen: Nachhaltigkeit heißt mehr als Öko
Nachhaltigkeit wird oft nur auf ökologische Maßnahmen reduziert – Mülltrennung, lokale Caterer, Ökostrom. Diese Aspekte sind wichtig, doch der Begriff muss für kleine Festivals weitergefasst werden. Für mich bedeutet Nachhaltigkeit auch finanzielle Resilienz, personelle Kontinuität und programmatische Kohärenz. Wenn ein Festival jedes Jahr andere Ziele verfolgt, weil Sponsor:innen das verlangen, verliert es seine Identität. Deshalb ist der erste Schritt: klare Prioritäten definieren und kommunizieren.
Ein stabiles finanzielles Fundament schaffen
Ohne stabile Finanzen ist jede künstlerische Freiheit gefährdet. Kleine Festivals sollten mehrere Einnahmequellen kombinieren, um nicht von einer einzigen Geldquelle abhängig zu sein. Dabei geht es nicht darum, sich zu zerreissen, sondern smart zu diversifizieren.
Fördermittel gezielt einsetzen: Fördergelder von Kulturstiftungen, kommunalen Ämtern oder Programmen wie dem Fonds Darstellende Künste sind essenziell. Wichtig ist eine langfristige Antragsstrategie: Mehrjahresförderungen suchen statt einmaliger Projektgelder.Ticketing-Modelle überdenken: Pay-what-you-can oder gestaffelte Preise können Einnahmen stabilisieren ohne das Programm „abzuschaffen“. Eine Kombination aus Early-Bird-Tickets, Tagespässe und Solidaritätskarten hat sich für mich als praktikabel erwiesen.Private Partnerschaften klug wählen: Sponsoring muss zur ästhetischen Haltung passen. Ich bevorzuge Kooperationen mit Marken, die Kultur als langfristiges Engagement sehen – statt kurzfristiger Marketingeffekte. Lokale Unternehmen, die regional verankert sind, bieten oft mehr Flexibilität als internationale Konzerne.Programmtreue und kuratorische Klarheit
Viele Veranstalter:innen fürchten, ein strenges Programmkonzept könne die Einnahmen limitieren. Tatsächlich schafft jedoch eine klare kuratorische Linie Vertrauen bei Publikum und Förderern. Wer konsequent bleibt, baut eine loyale Community auf.
Programmlinie dokumentieren: Ein kurzes Manifest oder Kurator:innenstatement hilft, Entscheidungen gegenüber Sponsor:innen und Publikum zu rechtfertigen.Signature-Formate etablieren: Wiederkehrende Formate – etwa eine Samstagnacht für experimentelle Popmusik oder ein Morgenblock mit Nachwuchsfilm – werden zur Markenkante des Festivals und erleichtern Kommunikation und Planung.Risiken kalkuliert eingehen: Ein Mix aus etablierten Acts (Publikumsmagnet) und Entdecker:innen (künstlerischer Wert) sorgt für Balance. Ich habe oft erlebt, dass eine handverlesene „Headliner“-Show genug Aufmerksamkeit bringt, um kleinere, riskantere Projekte zu finanzieren.Gemeinschaft als Ressource nutzen
Ein starkes Netzwerk ist für kleines Festivalmanagement Gold wert. Freiwillige, lokale Vereine und Kooperationspartner können nicht nur Kosten senken, sondern auch das Programm bereichern.
Freiwilligenmanagement professionalisieren: Gute Briefings, kleine Incentives (Essen, Merchandise, Einladung zu Proben) und klare Aufgabenprofile erhöhen Motivation und Qualität.Kooperation mit kulturellen Institutionen: Theater, Volkshochschulen oder Hochschulen bieten Spielstätten, Technik und oftmals auch Publikum. Gegenseitige Gastspiele oder gemeinsame Workshops erweitern das Angebot ohne große Mehrkosten.Netzwerkbildung mit anderen Festivals: Austausch von Booking-Listen, gemeinsames Touring von Künstler:innen oder sogar Co-Produktionen reduzieren Kosten und öffnen neue Zielgruppen.Transparente Kommunikation stärkt Vertrauen
Transparenz gegenüber dem Publikum ist ein unterschätzter Hebel. Wenn Festivalmacher:innen offenlegen, wie Einnahmen verwendet werden oder warum ein bestimmtes Sponsoring akzeptiert wurde, entsteht Verständnis – und oft Bereitschaft zur Unterstützung.
Finanzielle Einblicke bieten: Nicht jeder möchte detaillierte Zahlen, aber eine klare Erklärung, wofür Gelder eingesetzt werden (Gagen, Technik, Barrierefreiheit), schafft Rückhalt.Dialogräume schaffen: Publikumspodiums, Q&A-Sessions mit Künstler:innen oder Feedbackrunden am Festivalende fördern Verbundenheit und liefern wertvolle Insights für die Programmgestaltung.Effiziente Organisation und schlanke Prozesse
Viele kleine Festivals leiden unter ineffizienten Arbeitsabläufen. Hier helfen Standardisierung und digitale Tools, ohne Kreativität zu ersticken.
Projektmanagement-Tools nutzen: Trello, Asana oder Airtable können Aufgaben, Deadlines und Budgets transparent machen. So bleibt mehr Zeit für künstlerische Fragen.Technikpool aufbauen: Ein gemeinsamer Technikpool mit anderen Festivals oder Kulturhäusern spart Mietkosten und verhindert Doppelkäufe.Freelancer:innen-Netzwerk pflegen: Statt dauerhaft große Festangestellte zu binden, arbeiten viele Festivals mit verlässlichen Freelancern zusammen – sowohl kosteneffizient als auch flexibel.Nachhaltigkeit praktisch denken: Öko als Zusatznutzen
Ökologische Maßnahmen können Kosten senken und das Programm bereichern – etwa durch regionale Gastronomie, ressourcenschonende Bühnenkonzepte oder Mobilitätsangebote.
Lokale Lieferketten: Regionale Caterer sind oft günstiger und reduzieren CO2. Zudem können Food-Partner Teil des kulturellen Erlebnisses werden.Müllvermeidung planen: Kompostierbares Geschirr, Trinkwasserstationen statt Einwegflaschen und klare Abfallkonzepte reduzieren Kosten für Reinigung und Entsorgung.Mobilitätsangebote fördern: Shuttle-Busse, Fahrradparkplätze oder Kooperationen mit DB/ÖPNV (z. B. Kombi-Tickets) machen das Festival attraktiver und entlasten Parkflächen.Innovative Einnahmequellen: Memberships, Merch und Vermittlung
Zusätzliche Einnahmen müssen nicht das Programm verwässern. Sie können, richtig gestaltet, die künstlerische Arbeit stärken.
Membership-Modelle: Jahresabonnements mit kleinen Vorteilen (Rabatt auf Tickets, exklusive Beiträge, Einladung zu Previews) schaffen wiederkehrende Einnahmen und binden das Publikum.Merch als ästhetisches Statement: Statt billiger Massenprodukte lohnt sich hochwertiges, lokal produziertes Merchandise – das verkauft sich besser und unterstützt regionale Herstellende.Vermittlungsangebote: Workshops, Künstler:innen-Residencies oder Education-Programme bringen Einnahmen und erweitern die Wirkung des Festivals in die Stadtgesellschaft.Beispiele aus der Praxis
Ich erinnere mich an ein kleines Musikfestival in einer mittelgroßen Stadt, das jährlich knapp an der Insolvenz vorbeischrammte. Die Macher:innen schufen ein klares Profil (Indie und experimentelle Popmusik), führten ein Membership-Modell ein und kooperierten mit der lokalen Uni. Ergebnis: klare Zielgruppe, verlässliche Mittel und ein wachsendes Ehrenamt-Team. Ein anderes Festival setzte erfolgreich auf Co-Produktionen mit Theatern: Durch gemeinsame Shows konnten hohe Gagen geteilt und zugleich neue Publikumsschichten erschlossen werden.
Nachhaltiges Wirtschaften ist kein Widerspruch zur künstlerischen Ambition. Im Gegenteil: Wer strukturiert, transparent und kreativ wirtschaftet, schafft Freiräume für das, was Festivals einzigartig macht – überraschende Programme, emotionale Begegnungen und kulturelle Reibungspunkte. Das erfordert Arbeit, Mut zur Spezialisierung und die Bereitschaft, neue Finanz- und Organisationsformen auszuprobieren. Aber es lohnt sich: Für die Kultur und für die Menschen, die sie tragen.
